Surrealismo y diseño

Surrealismo y diseño

La reinvención del objeto

En 2007 el Victoria and Albert Museum de Londres organizó la memorable exposición Surreal Things. Hoy tenemos el privilegio de volver a enfocar el fascinante tema de esta intrínseca simbiosis con una nueva muestra: Objetos de deseo. Surrealismo y diseño. Explorando la relación entre los artistas mas locos y atrevidos junto con una de las artes mas presentes en nuestras vidas: el diseño.

La Fundación La Caixa y Vitra Design Museum (Alemania) presentan en Madrid una interesante colección de objetos y muebles realizados entre 1924 y 2020. Esta muestra es una buena inspiración para hacer un ejercicio surrealista: voy a crear mi propia colección surrealista.

Si tuviera que escoger los objetos que mejor resumen el explosivo cocktail entre lo surreal y lo práctico, yo diría que Salvador Dali se lleva los tres primeros premios con su sofá de labios sensuales, su teléfono langosta y su Venus con cajones. Estas tres obras inauguran esta selección muy personal, es mi modesta colección virtual de mis 12 diseños surrealistas favoritos aunque no todos están presentes en la exposición de Madrid.

Sofá Mae West de Dalí

Mae West Lips

Mae West Lips es un sofá – escultura con forma de labios de mujer y es la pieza central de una instalación en el Teatro y Museo Dalí en Figueras. Los asientos de tamaño rojo claro, hechos de espuma de poliuretano recubierta con una capa roja de polidur se moldearon a partir de los labios de la actriz Mae West, a quien Dalí encontraba fascinante.

Dalí nunca pretendió que el sofá tuviera un uso funcional. Afirmó que su diseño se basó en un montón de rocas cerca de Cadaqués y Portlligat, donde permaneció durante muchos años con su esposa, Gala. El sofá fue producido en 1973 por Bocaccio Design, también conocido como BD Barcelona Design. Edward James, un rico mecenas británico de los surrealistas en los años 30, encargó originalmente la pieza a Dalí. Ahora forma parte de las colecciones de arte del Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, del Victoria and Albert Museum de Londres, y del Brighton Museum (Inglaterra).

Teléfono Lobster de Dalí

Lobster Telephone

Es quizás el ejemplo mas famoso de un objeto surrealista. También conocido como “Afrodisiac Telephone” fue creado por Dalí en 1936, también para el poeta inglés Edward James.

En su libro autobiográfico, La vida secreta de Salvador Dalí, el artista escribió en broma sobre su sorpresa cuando pidió una langosta a la parrilla en un restaurante, pero nunca se le presentó un teléfono hervido. Es el ejemplo por excelencia de un objeto surrealista, formado por la unión de elementos que normalmente no se asocian entre sí, lo que resulta algo tanto lúdico como amenazador.

Dalí creía que tales objetos podían revelar los deseos secretos del inconsciente. Las langostas y los teléfonos tenían fuertes connotaciones sexuales para Dalí. El teléfono aparece en ciertas pinturas de finales de los años treinta como Mountain Lake (Tate) y la langosta aparece en dibujos y diseños, generalmente asociados al placer erótico y al dolor.

Para la Feria Mundial de Nueva York de 1939, Dalí creó una experiencia multimedia titulada Dream of Venus, que consistía en vestir modelos desnudos en vivo con “trajes” hechos de mariscos frescos, un evento fotografiado por Horst y George Platt Lynes. El artista utilizó una langosta para cubrir los órganos sexuales femeninos de sus modelos. Dalí a menudo estableció una estrecha analogía entre la comida y el sexo. En su original teléfono, la cola del crustáceo, donde se encuentran sus partes sexuales, se coloca directamente sobre la boquilla.

Cajonera Venus de Milo de Dalí

Venus de Milo

Es una escultura de yeso, creada por Dalí en 1936, tomando como referencia la famosa escultura romana Venus del Musée du Louvre (París).

Este icono de la antigüedad había fascinado al artista desde la infancia. En su libro “La vida secreta de Salvador Dalí”, relata que de niño hizo una copia en arcilla y como este primer intento de escultura produjo en él un inconfundible y delicioso placer erótico.

Más tarde, en una entrevista concedida a la revista Playboy en 1964, Dalí explicó:

Añadiendo los cajones es posible mirar dentro del cuerpo de la Venus de Milo al alma: así Dalí crea una apariencia freudiana y cristiana en la Civilización griega.

Entre sus muchas obras memorables quizás ninguna esté más arraigada en el imaginario popular que esta Venus con cajones, una reproducción en yeso de tamaño medio del famoso mármol (130-120 a. C.; Museo del Louvre, París). Alterado con pompones y cajones decorados en la frente, pechos, estómago, abdomen y rodilla izquierda.

La provocadora combinación ilustra el interés surrealista por unir diferentes elementos para despertar una nueva realidad. Para los surrealistas, el mejor medio para provocar esta revolución de la conciencia era un tipo especial de escultura que, como explicó Dalí en un ensayo de 1931, era…

…absolutamente inútil … y creado íntegramente con el propósito de materializarse de manera fetichista, con el máximo de realidad tangible, ideas y fantasías de un personaje delirante.

El artículo de Dalí, que se basó en las ideas de Readymades de Marcel Duchamp, inauguró la fabricación de objetos como parte integral de la actividad surrealista. Dalí fue profundamente influenciado por las obras de Sigmund Freud, afirmando:

La única diferencia entre la Grecia inmortal y la época contemporánea es Sigmund Freud, quien descubrió que el cuerpo humano, puramente platónico en la época griega, está hoy lleno de cajones secretos que solo el psicoanálisis es capaz de abrir.

Para este objeto surrealista de 1936, Dalí recorta seis cajones en Venus, transformando a la diosa griega en un mueble vivo, un juego de palabras visual con la frase cómoda, también conocida como escritorio. Su sencilla superficie blanca se complementa con elegantes tiradores de piel, un tributo a su belleza y potencial erótico. Además, los cajones son una metáfora de cómo el psicoanálisis freudiano abre las zonas ocultas del subconsciente. En palabras de Dalí:

Freud descubrió el mundo del subconsciente en las aletargadas superficies de cuerpos antiguos, y Dalí cortó cajones en él.

Consola de Diego Giacometti

Tras Dali, yo escogería al suizo Diego Giacometti por sus muebles divertidos y pintorescos. Realizados en bronce con pequeñas figuritas de animales son, en realidad auténticas esculturas con un uso práctico.

El arte de inspiración animal de Diego Giacometti era rico y variado. Junto con animales familiares como las mascotas de perros y gatos, le gustaba representar otros que simbolizan la fuerza, el poder y la belleza, como cabezas de leones, lobos y caballos.

Diego era un virtuoso del bronce, material que le permitió esculpir con gran detalle, gracia y elasticidad. Los animales de Diego exigían técnicas especiales, a menudo costosas, como el método de la cera perdida. Sus hermanos, el archiconocido Alberto, pintor, y Bruno, arquitecto, influenciaron su vida y su obra. Con Alberto compartió estudio en Paris y proyectos artísticos durante décadas.

Tras la muerte de Alberto en 1966, Diego redobló sus esfuerzos, realizando importantes obras para decoradores como Georges Geffroy y Henri Samuel, y conjuntos escultóricos para la Fundación Maeght en Saint-Paul-de- Vence, el Museo Chagall en Niza y el Museo Picasso de París.

Solo entonces, Diego consiguió ser reconocido como un artista importante, hasta entonces eclipsado por la fama de su hermano pintor. Una importante selección de su obra (más de 500 piezas de su estudio) fue donada en 1986 al Musée des Arts Décoratifs de París, tras una impresionante exposición celebrada unos meses después de su muerte.

Objetos surrealistas de Marcel Duchamp

Siguiendo el ejemplo de Dalí, mucho otros artistas comenzaron a crear artilugios absurdos inspirados en su subconsciente y también nuevos objetos construidos a partir de productos preexistentes, a menudo, obsoletos. Estas construcciones forzaron nuevos significados a través de extrañas yuxtaposiciones que aludían a sueños o deseos subjetivos.

El mas conocido, es el escandaloso Urinario de Marcel Duchamp, un elemento escatológico que el artista saca de un servicio de hombres para elevarlo a la categoría de obra de arte. El objeto surrealista fue concebido en parte como una crítica a la cultura de consumo. Sin embargo, al crear lo fantástico real, utilizando productos básicos comprometiéndose directamente con el mundo material, también destacaron las posibilidades comerciales del surrealismo y su aplicación en las artes decorativas.

En la teoría Análisis de los sueños de Sigmund Freud, el hogar tenía una variedad de significados perturbadores y sexualizados que interesaron profundamente a los surrealistas. Combinando lo antiguo, lo nuevo y lo extraño, crearon su propio ambiente interior que ofrecía un marcado contraste con las imágenes predominantes en el diseño de interior moderno.

Los surrealistas tomaron prestado de las ciencias naturales del siglo XIX, el Art Nouveau y las nuevas tecnologías como la fotografía y el cine para crear un nuevo simbolismo, rico en formas y motivos naturales. Estas obras se adaptaron rápidamente para su uso en el diseño, creando un lenguaje visual de formas orgánicas, conocido como biomorfismo o forma libre. Muchos artistas se inspiraron en las líneas fluidas y formas biomórficas del arte surrealista, en particular en el trabajo del escultor y pintor abstracto Jan Arp.

Lámparas Akari de Isamu Noguchi

Un buen ejemplo son las lámparas de papel y la mesa del japonés Isamu Noguchi. En 1951 visitó la ciudad de Gifu, (Japón) conocida por su fabricación de linternas y paraguas de papel bambú. Noguchi diseñó la primera de sus lámparas que se produciría mediante métodos tradicionales. Las llamó lámparas Akari, que significa luz como iluminación, pero también implica la idea de ingravidez.

La fabricación de Akari en Japón por Ozeki & Co. desde 1951 sigue los métodos tradicionales de las linternas japonesas Gifu. Cada Akari está hecha a mano comenzando con la fabricación de papel washi de la corteza interior de la morera. Los nervios de bambú se extienden a través de esculturales formas de madera moldeada. El papel washi se corta en tiras y se pega por ambos lados del marco. Una vez que el pegamento se ha secado y se fija la forma, la forma de madera interna se desmonta y se retira. El resultado es una estructura de papel resistente, que se puede plegar y empaquetar plano para su envío.

Con el cálido resplandor de la luz proyectada a través del papel hecho a mano sobre marcos de bambú, Noguchi utilizó materiales tradicionales japoneses para llevar un diseño moderno al hogar. Hoy su invención de iluminar a través del papel sigue siendo copiado por todo el mundo. En sus propias palabras:

Como la belleza de las hojas que caen y los cerezos en flor, los Akari son poéticos, efímeros y vacilantes. Todo lo que necesitas para comenzar una casa es una habitación, un tatami y Akari.

Mesa Tour de Gae Aulenti

La Mesa Tour” es una de las mesas mas excéntricas que existen. Esta obra es una mesa sobre ruedas fabricada por Fontana Arte. Este icono del diseño de muebles italiano de finales del siglo XX es obra de Gae Aulenti, brillante arquitecta, diseñadora de iluminación e interiores y diseñadora industrial.

Trabajó en Casabella, revista de diseño, y se unió a sus compañeros, rechazando la arquitectura de maestros como Le Corbusier, Mies van der Rohe y Walter Gropius. Se nombraron a sí mismos movimiento Neo Liberty, favoreciendo los métodos de construcción tradicionales junto con la expresión estilística individual.

Tour es una mesa con tapa de vidrio esmerilado flotado (0,6 ° de espesor). Tiene cuatro ruedas de bici giratorias, fijadas a la cubierta de vidrio transparente con placas de acero inoxidable, soportes cromados y ruedas de goma. Un verdadero tema de conversación para el hogar o la oficina.

La arquitecta es bien conocida por varios proyectos de museos a gran escala, incluido el Museo de Orsay en París (1980–86), la Galería de Arte Contemporáneo en el Centre Pompidou en París, el Palazzo Grassi en Venecia (1985–86) y el Museo de Arte Asiático de San Francisco (2000-2003). Gae Aulenti fue una de las pocas mujeres que diseñaron durante la posguerra en Italia y creó muchas piezas elegantes para Fontana Arte y Martinelli Luce.

Lámpara Porca Miseria de Ingo Maurer

La lámpara Porca Miseria! Chandelier del alemán Ingo Maurer es una revolución con gran astucia contra el diseño contemporáneo. Está formada por vajilla rota en mil pedazos. La producción de esta pieza está limitada a tan solo diez al año, ya que la construcción de cada lámpara requiere la labor de cuatro personas que rompen piezas de cerámica con un martillo o simplemente las dejan caer al suelo. Las piezas, rotas arbitrariamente, determinan la disposición del diseño final realizado por porcelana y metal. Es fabricada por Maurer GmbH en Alemania.

Esta lámpara extravagante es la celebración de Maurer de las explosiones cinematográficas en cámara lenta, como las que se ven en la película Zabriskie Point (1970) de Michelangelo Antonioni. Maurer es un diseñador industrial especializado en diseños de lámparas e instalaciones de iluminación. Se le ha llamado el poeta de la luz.

Silla Hand Chair de Pedro Friedeberg

La silla Hand-Chair, es la pieza mas conocida de Pedro Friedeberg, artista y diseñador mexicano conocido por su trabajo surrealista lleno de líneas, colores y símbolos antiguos y religiosos. Su escultura – silla está diseñada para que una persona se siente en la palma, usando los dedos como respaldo y reposabrazos.

Friedeberg comenzó a estudiar arquitectura pero no finalizó sus estudios pues se dedicó a dibujar diseños rechazando las formas convencionales de los años 50. Diseñó proyectos arquitectónicos completamente inverosímiles como casas con techos de alcachofa. Pedro pasó a formar parte de un grupo de artistas surrealistas en México que incluía a Leonora Carrington y Remedios Varo y Frida Kahlo, extremadamente irreverentes, que rechazaron el arte social y político que dominaba en ese momento. Friedeberg tuvo una bien merecida reputación de excéntrico durante toda su vida. Su lema fue:

El arte está muerto porque no se produce nada nuevo.

Lámpara Horse Lamp de Mooi

La lámpara Horse Lamp de la marca Front es un enorme caballo negro que nos ilumina con una pantalla luminosa encima de su cabeza. Fiel a las dimensiones de un caballo real, aporta un toque de naturaleza al estilo de cuento de hadas con inspiración de auténtica locura. Su talento para plantear una declaración atrevida, está tan bien desarrollado que dan ganas de alimentar al equino con zanahorias.

Sin duda, esta pieza se convierte en lo que se merece: ser el centro máximo de atención. Es parte de la Animal Collection para la firma de diseño holandesa Mooi, que está formada por una mesa auxiliar con forma de cerdo y dos modelos a escala real de un caballo y un conejo con lámparas en la cabeza.

Vajilla forrada de piel de Meret Oppenheim

Taza de té forrada de piel de Meret Oppenheim es otro objeto surrealista extraño y enigmático. Consiste en una taza con su platito y cuchara, forrados de piel, los mas absurdo de los absurdos.

Su sutil perversidad fue inspirada durante una conversación entre Meret, Pablo Picasso y la fotógrafa Dora Maar en un café de París. Admirando los brazaletes con adornos de piel de Oppenheim, Picasso comentó que se podía cubrir casi cualquier cosa con piel. “Incluso esta taza y con su plato”, respondió Oppenheim. En la década de 1930, muchos artistas surrealistas organizaban objetos encontrados en combinaciones extrañas que desafiaban la razón evocando asociaciones inconscientes y poéticas.

Meret se inspiró en otro objeto, titulado Déjeuner en fourrure (Desayuno con pieles) del líder surrealista André Breton: una taza con platito comprado en una tienda de París que se forró con la piel de una gacela china. La obra evoca las diferencias en las variedades del placer sensual: el pelaje puede deleitar el tacto pero repele la lengua. Y una taza y una cuchara, por supuesto, están hechas para llevarse a la boca.

Vajilla ilustrada de Piero Fornasetti

Maestro del trompe l’oeil, pintor, escultor, grabador, interiorista… Fornasetti fue el perfecto ejemplo de hombre renacentista-surrealista. Creó 12.000 diseños de objetos, muebles, 100 modelos de platos e incluso coches. Tenía manos de artesano y un ojo sofisticado. Prolífico y poético, fue el Giorgo De Chirico de la decoración.

Los platos de pared de Piero Fornasetti, son demasiado bellos para usar como vajilla en la mesa. Observa los ojos que te observan desde sus mágicos dibujos. La realidad es que todos son originales obras de arte surrealistas para transformar el hogar.

Los protagonizan los motivos distintivos de la marca, que representan casi siempre el rostro eterno y enigmático de la musa de Piero Fornasetti, Lina Cavalieri, además de algunos con temas de astronomía. Son variaciones sobre el mismo tema, pero todos completamente diferentes, fruto de la exquisita imaginación de su creador. Realmente son obras de arte dondequiera que se coloquen.

Fornasetti fue un irónico genio milanés. Este mago de los sueños aplicó su rica imaginería de soles, enigmáticos rostros, manos y arquitecturas clásicas a cualquier soporte posible: de cómodas a ceniceros, fulares o biombos, de telas a lámparas, paraguas y platos. Su sello fue el blanco y negro, raramente mezclado audazmente con solo dos colores. Solo dos tonos brillantes, el oro y el rojo, iluminaron los grises años 50 de la Europa de posguerra.

Falleció en 1988 dejando más de 12.000 diseños: objetos de lo más cotidianos, motivos decorativos y muebles-joya impresos que se mueven entre la tradición italiana y la invención surrealista.

Objetos ilustrados de Piero Fornasetti

La exposición “Objetos de deseo. Surrealismo y diseño” lleva a CaixaForum (Madrid) obras de artistas como Salvador Dalí, Man Ray o Lee Miller.

La exposición en Caixaforum Madrid arroja una nueva luz sobre este diálogo creativo fascinante y continuado, yuxtaponiendo obras de arte surrealista y piezas de diseño a fin de revelar unos paralelismos que raramente se han estudiado. Incluye también pinturas, esculturas, objetos de colección, carteles, revistas, libros y fotografías, así como películas históricas.

Entre los artistas expuestos se encuentran Giorgio de Chirico, Le Corbusier, Salvador Dalí, Isamu Noguchi, Meret Oppenheim, Gae Aulenti, Björk, Claude Cahun, Achille Castiglioni, entre otros.

Se divide en cuatro secciones. En el primero de ellos, se centra en explorar el surrealismo desde la década de los años 20 hasta los 50, con la aplicación de los principios surrealistas a la pintura y su extensión a los objetos, muebles e interiores, moda y cine. Los ready-mades de Marcel Duchamp, como su polémico “Urinario”, inspiraron a otros como Meret Oppenheim o Salvador Dalí, que crearon un tipo de escultura totalmente nuevo, con objetos absurdos a partir de materiales y cosas encontradas. En esta primera parte encontramos a Le Corbusier, Antonio Gaudí, Dalí, Ray Eames, Isamu Noguchi y Frederick Kiesler.

El segundo espacio de la exposición abarca la imagen y el arquetipo. Se plantea preguntas como ¿Una cosa debe ser siempre lo que parece?, haciendo hincapié en la instauración del absurdo, la confusión y el azar que introducen los surrealistas. René Magritte, Achille Castiglione, Duchamp, Gae Aulenti y su mesa montada sobre ruedas de bicicleta son algunos de los ejemplos.

Un tercer ámbito explora el amor, el erotismo y la sexualidad que incorporan los surrealistas al arte. Salvador Dalí, Carlo Mollino, Lee Miller, Dora Maar, Claude Cahun, Man Ray y Elsa Schiaparelli son algunos de los artistas que se apasionan con las mujeres y el eterno erotismo femenino.

La última parte se titula El pensamiento salvaje. Aquí se analiza el interés por lo arcaico, lo fortuito y lo irracional: Max Ernst y sus frottages, Man Ray y sus fotografías, Joan Miró y su pintura El león, los hermanos brasileños Fernando y Humberto Campana y los dibujos de flujo libre de conciencia de Ronan y Erwan Bourollec entre sus máximos exponentes.

Tras presentarse oficialmente la publicación del Manifiesto surrealista de André Breton en 1924, el Surrealismo se convirtió rápidamente en un movimiento intelectual y político internacional. Sus artistas miembros provenían de diversos orígenes y disciplinas, como la literatura, el cine y las bellas artes. Desde su nacimiento, los objetos cotidianos fueron una fuente de inspiración decisiva y tuvieron un papel crucial en su evolución.

Menos conocido es el impacto decisivo del Surrealismo en el diseño. Este ha jugado un papel principal para liberar el diseño del dogma funcional según el cual la forma sigue a la función. A la luz de la creciente crítica dirigida al diseño racionalista a partir de los años treinta y especialmente después de la Segunda Guerra Mundial, el Surrealismo abrió nuevos caminos que abordaban las emociones, las fantasías, los miedos y otras cuestiones existenciales.

En la década de 1920, la técnica surrealista se había centrado en el uso de la escritura, el dibujo, el collage y la pintura como técnicas para revelar la mente subconsciente. Pero en 1930 surgió un nuevo tipo de invención: la creación del objeto surrealista.

El distanciamiento del texto y la imagen fue impulsado por la necesidad de interactuar directamente con el mundo material, el mundo de los objetos y el comercio. Se pensaba que el objeto surrealista podía representar las complejidades y contradicciones de la vida moderna. En 1940 Salvador Dalí resumió así su deseo de inventar objetos:

Intento crear cosas fantásticas, cosas mágicas, cosas como en un sueño. El mundo necesita más fantasía. Nuestra civilización es demasiado mecánica. Podemos hacer que lo fantástico sea real y luego es mas real que lo que realmente existe.

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